¿Cómo debe ser para un cirujano tener poderes divinos pero, a la vez, tener que luchar contra la propia humanidad? ¿Cómo debe ser intentar salvar una vida y fracasar? Esta película sigue al neurocirujano Henry Mash y plantea abiertamente el dilema de la relación doctor-paciente a lo largo de su última misión a Ucrania.

Henry es uno de los neurocirujanos más importantes de Londres, un pionero de su campo que cada día se desplaza al trabajo con una vieja bicicleta y que se preocupa por el dolor que puede provocar a los pacientes. “Cuando se llega a un punto crítico, podemos permitirnos perder un brazo o una pierna, pero yo opero dentro de los pensamientos y de los sentimientos de las personas…y si algo sale mal, puedo destrozar el carácter de esa persona… para siempre.”

Conducido por la necesidad de ayudar a los demás allá donde pueda, hace 15 años que Henry viaja a Kiev para intentar mejorar la neurocirugía primitiva que encontró allí en su primera visita, en 1992. Hoy sus pacientes lo ven como el gran salvador del oeste, padres desesperados quieren que salve a sus hijos, y su colega ucraniano lo ve como un gurú y como un benefactor.

Pero por toda la satisfacción directa que encuentra, también encuentra diagnósticos completamente erróneos, niños a los que no puede salvar y una falta de equipos y de personal calificado. Es como vender el alma al diablo, pero, ¿qué se puede hacer? Mi hijo tuvo un tumor cerebral cuando era un bebé y yo estaba desesperado por encontrar a alguien que pudiese salvarlo. Ahora no puedo huir de los que lo necesitan.”

Este dilema es lo que resulta interesante de Henry. Su compasiva humanidad se convierte en el tema universal de la película; la lucha por hacer el bien en un mundo imperfecto y egoíssta.

The English Surgeon

Dirección: Geoffrey Smith
Nacionalidad: Reino Unido (2007)
Duración: 93 minuts
Género: socio-antropològico
Dirección de Producción: Geoffrey Smith
Direcció de fotografia: Graham Day
Mintaje: Kathy O’Shea
Música: Nick Cave y Warren Ellis

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La modificación en el sistema de locomoción colectiva de Santiago, trajo un sin número de cambios en la vida de sus usuarios. De las antiguas micros amarillas se pasaría a un sistema moderno de transporte que prometía ser la panacea. En ese cambio no solo se involucrarían usuarios, también chóferes, automovilistas, peatones y una institución de las antiguas micros amarillas: Los vendedores de micro. “El poder de la Palabra” nos relata la vida de Hardy Vallejos y sus colegas, que se ganan la vida como vendedores de micro en el Santiago del 2005, ad portas del cambio en el sistema de locomoción colectiva, que prometía dar el salto a la modernidad de la capital. Pero dentro de este salto, Hardy y sus colegas no estaban considerados, dado que su oficio no estaba a la altura de “Transantiago”. En pocas semanas Hardy y sus colegas se organizan: más de dos mil inscritos lucharán por conservar su lugar en el nuevo sistema de transportes que se avecina. Incorporan en el camino las armas de la modernidad: deben tener un uniforme, una imagen corporativa, y aprender a vender -ahora demandas gremiales- de manera convincente, emotiva y eficiente.

Sinopsis

Hardy Vallejos se gana la vida vendiendo baratijas en el caos de los buses del Santiago de 2005. Pero un anuncio del gobierno lo preocupa: dentro de poco seremos un país “de clase mundial”, por lo que no podremos seguir tolerando oficios como el suyo. En pocas semanas Hardy y sus colegas se organizan: más de dos mil inscritos lucharán por conservar su lugar en el nuevo sistema de transportes que se avecina. Incorporan en el camino las armas de la modernidad: deben tener un uniforme, una imagen corporativa, y aprender a vender -ahora demandas gremiales- de manera convincente, emotiva y eficiente. Hardy se codea con funcionarios, diputados y autoridades, pero sólo logran postergar las decisiones. Llega 2007 y Transantiago. El país no ha logrado transformar su imagen de precariedad, pero Hardy y sus colegas han cambiado para siempre su forma de pensar. Han entendido, para bien o para mal, que más poderosa que la realidad es la imagen que proyectamos de ella.

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Ficha Técnica

El Poder de la Palabra Documental / 75 min / color / DV – Dirección y Producción: Francisco Hervé Producción Ejecutiva: Sergio Gándara y Francisco Hervé Guión: Pablo Leighton / Sebastián Brahm / Francisco Hervé Música Original: Fernando Milagros Jefe de Producción: María Paz González Cámara: David Bravo / Sebastián Moreno Sonido Directo: Juan Pablo Manríquez Montaje: Sebastián Brahm / Francisco Hervé Post Sonido: Roberto Espinoza Post Imagen: David Bravo Diseño Gráfico y Créditos: Fluor Films Producción y Difusión: Flor Rubina

fuente: Centro Arte Alameda

El prestigioso Festival de cine de motañab de banff es un concurso internacional que por más de   30 años ha presentado los mejores filmes y videos sobre cultura de Montaña y Outdoor. El certamen se celebra anualmente El prestigioso Festival de Cine de Montaña de Banff es un concurso internacional que por más de   30 años ha presentado los mejores filmes y videos sobre cultura de Montaña y Outdoor. El certamen se celebra anualmente en la ciudad Canadiense de Banff y es organizado por el Centro Banff para la Cultura de Montaña. Banff se ha convertido en uno de los foros más importantes a nivel mundial para la celebración y diseminación de la cultura outdoor, y la gira mundial que realizan cada año en distintos paises lo ha hecho un festival reconocido el cual es esperado con devoción cada año.

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En 1974, un grupo excepcional de artistas afroamericanos -incluida la Fania All Stars en la representación afrohispana- viajó al corazón de Africa, a Zaire, para ofrecer un extraordinario concierto con lo mejor de la música de ese entonces. Ahora, 35 años después, llega una versión editada al cine. Soul Power tuvo su estrenoen Europa en el mes de Agosto y paso por Chile en el festival Sanfic5.

El motivo del viaje de todos estos músicos al Africa era combinar un festival de tres conciertos en Kinshasa, la capital de Zaire, con una pelea de Muhammad Ali contra George Foreman, para recuperar su corona de campeón del mundo. La lista es impresionante: James Brown, The Spinners, The Crusaders, Sister Sledge, Bill Withers, B.B. King, Fania All Stars con Celia Cruz y la sudafricana Miriam Makeba, entre otros. Realmente, el orgullo de una raza.

La película sobre la pelea, que se llevó a cabo seis semanas después del festival, fue el documental ganador del Oscar, When We Where Kings. Hemos tenido que esperar muchos años para la parte musical, que surgió de una idea de Stewart Levine, quien lo produjo con el músico sudafricano Hugh Masekela. Finalmente, el director responsable de este documental, Soul Power, fue Jeffrey Levy-Hinte. Y vaya tarea que tuvo.

Las interpretaciones de los artistas mencionados son todas de primera calidad, especialmente para nosotros los latinos y sudamericanos ver a Celia cantando Quimbara, acompañada por Johnny Pacheco en el escenario dirigiendo a Fania, con Ray Barreto en las congas y Héctor Lavoe confundido entre los coristas. Quien se roba el show, a causa de la edición, es James Brown, el padrino del soul. Las secuencias fuera del auditorio, ya sean en el avión o los diálogos para la organización del festival, también son valiosas.

Pero uno se queda con las ganas de escuchar más música. Un promedio de una canción por artista o grupo es demasiado poco. Esperemos que, como dice el director, salga todo en DVD más adelante. Soul Power, que fue selección oficial de los festivales de cine de Toronto 2008, Berlín 2009, Tribeca 2009 y Los Angeles 2009, dura 93 minutos y es una joya de documental.

fuente univision.com

Anoche pegado al televisor a las 21:00 hrs vi el documental “102 minutos que cambiaron el mundo”, superadas mis espectativas el documental trata a travéz de historias mínimas los hechos de la mañana del 11 de Septiembre de 2001 en NY. El registro de mas de cien cámarografos entre aficionados y profesionales dan vida a este notable documental que cuenta con un montaje íntimo y alejado del sensasionalismo, el cual da forma a una historia que desconocíamos desde este punto de vista y con estos personajes.

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En casi todo el territorio francés aún existen escuelas de “clase única” que reúnen en torno a un mismo maestro, o maestra, a todos los niños de un mismo pueblo, desde el parvulario hasta el último grado de primaria. Entre encierro en sí mismo y apertura al mundo, estas pequeñas tropas de infantes comparten la vida cotidiana. Así es como este documental fue rodado en una de esas escuelas, en algún lugar en el corazón de Auvernia.l corazón de Auvernia.l corazón de Auvernia.l corazón de Auvernia.l corazón de Auvernia.l corazón de Auvernia.l corazón de Auvernia.

“Ser y tener” transcurre en una escuela y sus protagonistas son un maestro y sus alumnos, pero no se trata de un testimonio sobre el estado de la educación en Francia ni de un examen del proceso de la enseñanza. Es sólo el registro -sereno, minucioso, sensible- de unos cuantos episodios sucedidos en el transcurso de un ciclo escolar. Nada más. Nada menos.

Ni el propio Georges Lopez, el maestro del caso, ni los padres y vecinos del remoto paraje de la región de Auvernia podían creer que pudiera hacerse un film con un asunto “tan frágil, tan poco espectacular”. No veían, como el realizador Nicolas Philibert, cuánto drama, cuánta comedia, cuánta vida cabe en cualquier rinconcito donde un maestro y un grupo de niños renuevan el eterno fenómeno del aprendizaje.

Un deber de matemática que compromete a toda una familia en torno del escolar puede ser toda una epopeya; el lento entrenamiento en la convivencia con el compañero al que se detesta (o se teme), un arduo paso en la distinción entre las propias fronteras y el respeto hacia el otro; la primera aproximación a la noción de infinito, una aventura fascinante; la perspectiva de abandonar la acogedora intimidad de la pequeña escuela de aula única para ingresar en el colegio secundario, institución grande, anónima y burocrática, un ensayo de la incorporación al mundo adulto, siempre ancho y ajeno.

Philibert eligió una escuela de campo, una de las últimas de clase única que aún quedan en Francia, con un maestro, estricto pero sereno y paternal, y su heterogéneo alumnado, que abarca desde los niños de preescolar hasta los que están cursando el último año de primaria. Pasó allí el tiempo necesario para que todos se familiarizaran con la cámara y el pequeño equipo y para poder registrar la actividad cotidiana tal como iba desarrollándose y con muy pocas interferencias: apenas una breve entrevista al maestro y un par de situaciones sugeridas o provocadas. Del resultado de su paciente tarea extrajo estas dos horas de pura emoción.

No siempre se tiene conciencia (a veces ni siquiera la tienen los propios maestros) de que la experiencia escolar supone bastante más que aprender a leer, escribir y hacer cuentas. Philibert no lo ignora y por eso su film está atento a todos los sucesos que revelan el hecho educativo, ya se trate tanto de aprender a contar, a cocinar o a escribir al dictado como a compartir juegos, a respetarse a sí mismos y a los demás y a expresar miedos y preocupaciones. Por supuesto, se observa el progreso de la relación que el maestro establece con sus alumnos, parte fundamental del fenómeno, y se va un poco más allá, al encuentro de las familias de esa comunidad de agricultores comprometidos con la formación de sus hijos. Para que puedan desarrollarse y ser felices, como le dice al maestro la madre de una de las chicas.

El compromiso afectivo con el tema elegido, la delicadeza y la sensibilidad de Philibert se manifiestan de muchas maneras: en la distancia justa y la mirada respetuosa con que se aproxima a la realidad que quiere retratar; en su sutil registro del ambiente (es espléndida la metafórica escena inicial en medio de la nieve) y del paso del tiempo; en el montaje que atiende a la emoción pero soslaya la sensiblería; en su discreta mediación para ingresar en la historia personal del maestro, que se encuentra próximo al retiro y cuyo estado interior emerge casi sin querer en medio de un dictado, cuando interrumpe una frase para preguntarse cuántos momentos similares habrá vivido a lo largo de su carrera.

Por muchos caminos diferentes y sin recurrir nunca al discurso, Philibert se aproxima a la esencia del fenómeno educativo, al acto amoroso que supone prestar ayuda en el dificultoso proceso de aprender y crecer. Lo admirable es que lo logra a través de un trabajo de naturaleza documental al que se asiste con el mismo compromiso y la misma adhesión emotiva que suscita una historia de ficción. Y aunque no se pierde la noción de que se trata de seres reales, el maestro que está por jubilarse y los chicos que forman su última clase terminan por convertirse en personajes de una historia enternecedora, risueña y vital, la historia de un ciclo escolar que conmueve por lo que narra y por los ecos que su alcance universal sabe despertar en el ánimo de cada uno. Esa singular propiedad y la encantadora transparencia de los niños deben de haber sido determinantes del formidable éxito que el film obtuvo en Francia. Por cierto, muy merecidamente.

fuente: La Nación 2003

A partir de este martes comienzan los “martes del cine documental” la idea es estar publicando cada día un documental interesante o noticias relacionadas con este género. Hoy les presento; Of time and the City.

Anoche en su última función se presentó “Of time and the City” la esperada película de Terence Davies, un melancólico y sentido documental que ha sido aclamado por la crítica desde su estreno el año pasado.

Luego de una ausencia demasiado larga, volvió Terence Davies, el cineasta inglés que ha convertido la melancolía en películas y que no filmaba desde The House of Mirth (2000). Of Time and the City es un encargo para la televisión y exacerba sus intereses habituales, que, como en El mejor de los recuerdos y La trilogía de Terence Davies, rondan su niñez y adolescencia. Se trata aquí nada menos que de retratar a Liverpool, donde Davies vivió desde su nacimiento, en 1945, hasta 1973.

Al igual que en sus ficciones, el director diseña un tapiz visual y sonoro en el que se entrelazan imágenes de la ciudad en diferentes épocas con la música que lo acompañó en sus años mozos. La novedad es su propia voz en off, utilizada en forma casi constante, de manera teatral, a veces sentimental, otras cómica y en unas pocas, las menos felices, excesivamente irónica.
La niñez y adolescencia de Davies están marcadas por la conciencia de su homosexualidad, un tema peligroso ya que, como lo cuenta en este documental, su puesta en práctica estaba en aquellos años fuera de la ley. Los rituales del catolicismo y la vida pública en estadios, lugares de baile, la playa, el cine con las grandes estrellas de Hollywood, conforman la escena de un paraíso perdido, con espinas y dolor pero siempre añorado.

Para Davies, el comienzo de la caída es –como lo expone graciosamente en la película– la aparición de los Beatles, con su cultura popular tan alejada de Doris Day y Peggy Lee. Es curioso, pero totalmente coherente con la sensibilidad de Davies, que un documental sobre Liverpool tenga en tan baja estima a quienes hicieron mundialmente famosa a la ciudad.

Como en todas sus películas, hay distintos momentos en los que la conjunción de imagen y música genera una retórica poética sin equivalente en el mundo del cine. Destacamos una sucesión de imágenes en blanco y negro de mujeres liverpoolianas lavando vidrios, lustrando picaportes y limpiando puertas acompañadas de música sacra, que no se parece a nada que el cine contemporáneo pueda generar.

fuente:el amante

Hoy estrenamos nueva temática para los Martes y junto con ello cobertura diaria de películas recomendadas para ver. Sanfic 5 comienza hoy y termina el pròximo lunes, para mayor información de horarios, salas y actividades paralelas del festival entra

Gonzalo Regules filmó este documental centrado en una jornada clave en la historia de Uruguay: el 31 de octubre de 2004, cuando por primera vez el partido Frente Amplio logró acceder al gobierno del país, desplazando a las fuerzas políticas dominantes por más de 150 años, y culminando con el triunfo del actual presidente Tabaré Vázquez, primer mandatario uruguayo de izquierda. Pero en vez de dedicarse a mostrar la ansiedad del día y el posterior jolgorio de celebración, el director se centra en Lilí Seregni, la viuda de uno de los fundadores del Frente Amplio, fallecido sólo tres meses antes; un hombre que durante años luchó por la llegada de ese día y estuvo una década preso por sus ideales. Regules registra este hecho histórico evitando una perspectiva excesivamente política, y opta por profundizar en los aspectos humanos de Lilí y su familia, en sus recuerdos e ilusiones, y en el legado de Seregni.

dirección: Gonzalo Regules
Montevideo, Uruguay, 1976
Funciones en Sanfic 5:

Lunes 24:
16:00 hrs., Cine Hoyts La Reina ,Sala 3

Miércoles 19:
16:00 hrs., Cine Hoyts La Reina ,Sala 3