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“Ojalá los telescopios pudiesen atravesar la tierra para ubicarlos…”

Hace tiempo que no iba al cine, y es que la cartelera local no me atraía lo suficiente para deleitarme con alguna de sus películas. Ni siquiera para pasar un buen momento, algo entretenido con olor a pop corn. Sin embargo, ayer recibí la invitación del Festival Internacional de Documentales de Santiago donde se estrenaba la última película de Patricio Guzmán titulada “Nostalgia de la Luz”. Con la leyenda “hay demasiada ficción en el mundo; el documental es cine de verdad”, se abrió el certamen santiaguino con la obra de Guzmán que acaba de recibir los aplausos de Cannes y el galardón de la Revista Premiere como una de las 10 mejores películas del festival francés. Y no estaban en lo incorrecto los entendidos europeos, ya que la película tiene precisamente lo que contiene su título: luz.

El tiempo presente no existe. Siempre he dicho eso y el documental lo reafirma. El pasado es el tiempo en el que vivimos y Patricio Guzmán lo aclara con su relato, destacando la importancia de este y haciendo el paralelo entre la búsqueda de respuestas entre los astrónomos y los familiares de detenidos desaparecidos. Con algunos personajes extremadamente interesantes – de los cuales se pudo haber realizado íntegramente un documental – y otros que caminan al borde de lo prescindible, la película se mueve en una línea ascendente que por momentos comienza a perderse, pero que logra llegar a un final dignamente a pesar de que por momentos los 96 minutos de metraje se hicieron notar. La calidad visual no es lo que caracteriza plenamente a “Nostalgia de la Luz” – a pesar de tener paisajes sumamente hermosos -, sino que es lo interesante de la propuesta y la sencillez con que sus personajes hacen de la memoria algo intrínseco del ser humano.

La emoción no está del todo presente a través del film. Quizás le falte una cercanía con el espectador de manera de integrarlo plenamente en el relato, el cual plano a plano trata de desarrollar una armonía capaz de sensibilizar al más rudo de los videntes. Sin embargo, Guzmán se posiciona desde una perspectiva más informativa que sólo gracias a personajes como Lautaro Nuñez, Violeta Berrios o Gaspar Galáz, encuentra un nicho de emoción que logra despertar las neuronas del público. “Existe una diferencia fundamental entre los astrónomos y los familiares de detenidos desaparecidos: los primeros si no encuentran las respuestas de lo que buscan en el pasado pueden dormir tranquilos; los familiares de detenidos desaparecidos, no.”

Es Lautaro Nuñez el que cita una de las verdades más irrefutables del relato. Es absolutamente inconsecuente que los chilenos estemos más preocupados de lo que ocurre hace miles de años – en mención al trabajo astronómico – y no nos preocupemos de revelar lo que ocurrió hace 30 años atrás. Debemos dejar que los tribunales de justicia hagan su trabajo, que los acusados se defiendan, que se sigan los protocolos tradicionales; sin embargo, no podemos tapar el pasado y olvidarlo, ya que es un deber ético revelar y descubrir lo ocurrido para que todos podamos dormir tranquilos al haber obtenido las respuestas que buscábamos.

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Doce años tardó James Cameron en lanzar a la pantalla esta idea que había sido detenida sólo por problemas técnicos. Gracias a las nuevas tecnologías, la barrera cedió y el campo fue amplio para que Cameron junto a su equipo, pudiesen realizar una de las obras de ciencia ficción más impactantes de los últimos tiempos. “Avatar” tiene ese componente fundamental para que la película prescinda del metraje: una sólida línea argumental cargada de dinamismo, junto a imágenes y sonidos que mantienen alerta los sentidos – sin hacer diferencias etarias – de todos los espectadores. La propuesta del director, a pesar de estar exigida por las inevitables expectativas previas generadas por el abundante marketing, satisface en varios aspectos logrando dibujar una sonrisa y disfrutando esa gran sensación de haber vivido un momento diferente.

Sin duda que el material en 3D debe ser un acontecimiento de otro planeta. Sin embargo, a lo que nos abocaremos es a la estrategia pura de la cual Cameron ya está obteniendo grandes resultados. La inclusión de actores fuera de portada es sin duda un riesgo, sin embargo el director logró situar la historia por sobre los nombres dejando bien en claro que su apuesta es sólo la obra que representa y nada más. De esta forma el trabajo de Worthington, Saldana, Weaver, Rodriguez y – el por momentos odiado – Lang, transcurren sin establecer explosiones lumínicas que encandilen al espectador, sino que cumplen el papel entregado por el director demostrando una vez más que James Cameron no se empeña en dirigir grandes interpretaciones.

“Titanic” (1997), la película dirigida por Cameron que obtuvo 11 premios Oscar y que se transformó en uno de los títulos más ganadores de la historia, no consiguió ningún reconocimiento en materia de actuación. “Terminator” (1984) – también dirigida por el canadiense – generó un hito en la industria fílmica al crear un personaje recordado hasta el día de hoy y en la cual los efectos especiales – especialmente en su segunda parte de 1991 – cumplieron un pilar fundamental para llevarlo a ese sitial. Esto refuerza la idea de que Cameron se preocupa de dos conceptos fundamentales y en los cuales no se cuenta el aporte que pudiesen entregar sus actores: la historia y la forma de ejecutarla audiovisualmente. Cuando me refiero al tema “audiovisual”, es justamente esa separación, ya que aparte de los efectos visuales, Cameron le entrega mucho énfasis al sonido y a la música incidental, que en el caso de “Avatar” fue compuesta por James Horner, compositor de otras grandes obras como “Braveheart” (1995) o el mismo “Titanic”.

Más allá de la extraordinaria imagen, el sorprendente sonido, la calidad imaginativa del equipo para crear todos aquellos aspectos que componen la obra como es la naturaleza del planeta (flora y fauna), máquinas e instrumentos que son parte de esta “realidad virtual”; la obra se posa en ese argumento que si bien es sólido y dinámico, posee varias aristas algo trilladas en el ámbito fílmico como es la eterna lucha entre el bien y el mal, que hacen por momentos algo obvia la trama. El enfoque macro que entrega la cinta es similar al que nos mostró “WALL•E” hace un año cuando resaltaba “el escape masivo” de la Tierra por la destrucción total de ésta; la ayuda de todas las razas y tribus del planeta para salvarlo es lo mismo que presentó Tolkien a través de Peter Jackson en “El Señor de los Anillos”, George Lucas en “Star Wars”, etc, etc. Sin embargo, a pesar de estas similitudes, “Avatar” se mantiene en pie, mostrando todo el potencial que puede tener una película con la tecnología de hoy y dejando entrever que Cameron aún sigue muy vigente.

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Ayer se presentaron los nominados a los Globos de Oro, siendo esta la instancia preliminar a la entrega de los Oscar. Si bien las películas escogidas a Mejor Película Extranjera tienen atributos bastante ponderables, hay que destacar que dejaron atrás a varias otras que también tenían lo suyo como la última de Juan José Campanella – “El Hijo de la Novia” (2001) – o de Fernando Trueba – “Belle Epoque” (1992) -. Sin embargo, existía una larga lista de candidatas que bien podían ser descartadas de cualquier certamen fílmico por su precariedad en el relato y su nimio aporte a la industria audiovisual. Una de esas es “Coco Avant Chanel” que, a pesar de tener rasgos de calidad como una limpia imagen y un vestuario de lujo, cae en un letargo colosal del cual es imposible despertar.

¿Qué ocurriría si el personaje principal no fuera Coco Chanel? Simplemente la película no valdría mucho la pena. El gran plus de la obra es que relata la vida esforzada de Coco antes de fundar el imperio del cual todos conocemos hoy en día, sin embargo si el personaje fuese otro, la película pasaría sin pena ni gloria ya que no posee esa característica especial que demarca a las grandes obras del séptimo arte. Y no es que el personaje principal tenga que ser conocido para que su historia sea digna de filmar, ya que un claro ejemplo de ello es el de “La Escafandra y la Mariposa” (2007), la gran película francesa que relata la vida de Jean-Dominique Bauby – editor general de Elle en los 90’s – la cual podría tener como personaje principal a un ser anónimo y de todas maneras implicaría una obra con argumento potente que aprovecha en su plenitud el poder comunicacional que tiene la cinematografía.

“Coco Avant Chanel” dirigida por Anne Fontaine – que se reveló como promesa en 1997 cuando realizó “Nettoyage à sec” – tiene un paso cansino que por momentos termina por incentivar la visualización de la hora. El pensar que el tiempo ha sido desaprovechado en la sala de cine, es lo peor que le puede pasar a un director y lamentablemente en esta nueva obra de Fontaine aquello ocurre. Sin embargo, una gran gracia de la cinta es que Autrey Tautou logra desmarcarse de su personaje de Amélie Poulain, realizando un papel creíble y sujeto a la interpretación demarcada por la directriz de la cinta; fruto del trabajo de Fontaine quien logró sacar a relucir el talento de la joven actriz francesa quien luego de su trabajo con Jean-Pierre Jeunet quedó encasillada en un rol fantástico sin poder ejecutar otros roles de calibre en los futuros años.

Es cierto que el cine francés posee un aura especial y que el gusto por él es bastante extravagante. Sin embargo, quizás la forma de abordar esta cinta por la directora fue errónea al ejecutar un relato poco profundo sin ahondar en esos detalles que interiorizan al espectador con los sentimientos vivos de la obra. El juego que se establece entre la audiencia y lo mostrado en pantalla es primordial para el aplauso espontáneo, y si éste no se presenta a través del relato, pone en riesgo el buen resultado de la cinta mediante el cual todos sus engranajes calcen a la perfección.

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Roland Emmerich sabe cuál es el gusto de la gente. Su público desea ver la calidad de los efectos especiales más que cualquier otra cosa. Sin embargo, esto no le da crédito para desaprovechar dos horas y media de exhibición, abusando de los efectos y sin darle ningún propósito al argumento que propone. Muchos directores de esta índole se salvan ya que son designados exclusivamente para la dirección sin poder participar en el guión, pero el caso de Emmerich es distinto ya que él ha sido uno de los impulsores de la obra participando tanto en la idea original, escritura y producción de la misma.

“2012” es una película mala. Así de simple. Si bien sus efectos por momentos sorprenden, existe una cuota de agotamiento que termina por abrumar del todo pidiendo por favor que la película termine lo antes posible. La historia no tiene nada original, salvo en sus inicios cuando explican el por qué ocurrirán los acontecimientos naturales. Sin embargo, esto sólo se extiende durante el 1% del metraje, dejando el resto para que Emmerich se entretenga con los desastres naturales, la destrucción masiva, el aniquilamiento humano y la típica misiva de que Estados Unidos nuevamente logra salvar al mundo.

En todo aspecto, la posible calidad visual y sonora mezclada con la ciencia ficción, es corrompida por un guión lleno de chistes inútiles, escenas dramáticas innecesarias alejadas del realismo capaz de impregnar de sentimientos la pantalla y una historia bastante obvia que no genera mayor expectación dentro de la audiencia. Es por esto que la película se debería haber encasillado en los efectos especiales y en una muestra escénica que pudiese entregar temor al público, advirtiendo así que el 2012 es una fecha inminente. Sin embargo, la obra se baña de surrealismo al nivel de desaprovechar la veracidad de este vaticinio de la civilización Maya que informa un nuevo ciclo del planeta.

Si usted quiere ir a ver buenos efectos, vaya a verla ya que tendrá la posibilidad de ver esos que estamos acostumbrados a ver en las películas de Roland Emmerich, como son “Independence Day” (1996), “Godzilla” (1998) y “The day alter tomorrow” (2004). Sin embargo, si le importa algo la trama de la película, descártela de plano e invierta su tiempo en algo más productivo ya que las dos horas y media se hacen eternas.

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¿Por qué Nueva Zelanda está entre los países realizadores de esta cinta? Simplemente porque Peter Jackson – director de la trilogía de “El Señor de los Anillos” – es nacido y criado en esa zona, y aprovechando este título logró acceder a capitales neozelandeses con el rol de productor de esta gran película. ¿Pero habrá sido diferente el futuro de esta obra sin la producción de Jackson? Nunca lo podremos averiguar, aunque gran parte especula que el marketing acarreado por el Rey Midas oceánico fue muy favorable para Neill Blomkamp, creador de este relato de ciencia ficción que se originó a través de un cortometraje realizado años atrás (2005) y por el cual Jackson se enteró del tema.

La película cuenta con algo que muy pocas obras alrededor del mundo poseen: un novedoso guión que está fuertemente ligado tanto a la entretención como a un trasfondo social que promueve el racionamiento del espectador. Sin duda, que esto es lo que los críticos piden como base para gestar un análisis de las obras que a diario deben visualizar. Con estos cimientos, es muy difícil que la expresión artística tambalee ya sea en cada una de las diferentes ramificaciones que han surgido a través de la historia. “Distrito 9″ la tiene insertada en su columna vertebral, posicionando al espectador en un estrado en el cual cumple el rol de juez y acusado a la vez.

Con un lenguaje audiovisual no habitual dentro de la cartelera, la película se transforma en una ficción tratada en instantes como documental que acerca la realidad ante las narices del público, quebrando así ese eterno vidrio que separa lo auténtico de lo meramente imaginativo. De esta manera nos plantea una nueva visión del ser humano, mucho más crítica, ante la cual nuevamente nos posiciona como “los malos de la película” ante las visitas extraterrestres. Y digo nuevamente ya que por mucho tiempo los alienígenas sólo venían a destruir la Tierra, siendo los seres humanos las víctimas de aquello y mostrando como Estados Unidos nos salvaba de la destrucción. Quizás la última gran película que situó a los seres humanos en el “bando enemigo” fue “E.T: El extraterreste” (1982), por lo que tuvieron que transcurrir casi 30 años para que una nueva cinta tocara la ciencia ficción de una forma tan sensible, permitiendo así que el público se encariñase con los seres desconocidos, dejando de lado a sus pares planetarios.

La fotografía, la música, las actuaciones, la edición: todo queda opacado por el poder argumental que cumple cabalmente la propuesta entregada por el director. Si bien, los efectos especiales fomentan la grandilocuencia de “Distrito 9″ sin caer en esos abusos que seducen a varios, la película es aplaudida por converger esas líneas que parecen tan poco compatibles, pero que algunas obras demuestran sus puntos de similitud. La entretención puede escapar de la banalidad señores, y esto bien lo demuestra “Distrito 9″.

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Plástica y caricaturesca. Eso es lo primero que se viene a la mente luego de apreciar la última cinta de Quentin Tarantino, aquel joven – aunque ya no tanto – director que en los 90’s nos impresionó de sobremanera con “Reservoir Dogs” (1992) y “Pulp Fiction” (1994). El nombre de Tarantino pasó a ser de culto y sus películas se transformaron en una obligación de ser vistas. Pocos directores han tenido ese privilegio y Tarantino bien lo sabe, por lo que se permite dar aires de divo que por momentos comienzan a agotar, permitiendo así que el pensamiento del espectador se centre en su grandilocuencia más que en su trabajo. ¿Acaso Scorsese lo ha hecho a través de sus años? Marty sigue siendo humilde y por esta sencilla razón supera aún más a sus pares que llevan el adjetivo de “arrogantes”.

Pero fuera de todo el marketing que al director oriundo de Tennessee le gusta generar, se encuentra su obra que a través de los años ha crecido inversamente proporcional entre las expectativas y su calidad. “Malditos Bastardos” se había anunciado con fanfarrias, pero a la crítica mundial no le llamó mucho la atención, quizás por su excesivo metraje como a su vez por el poco impacto argumental de su relato. La obra presenta una historia curiosa y anecdótica que logra ser novedosa, sin embargo el bombardeo de figuras ridículas o escenas cuasi plásticas, decantan en que la línea argumental se precipite en lo banal siendo saturada por tiempos muertos que sólo aportan a que el público comience a bostezar.

A pesar de todo, la película tiene sus puntos fuertes como la extraordinaria interpretación de Christoph Waltz – ganador de Cannes por dicho rol – quien a pesar de ejercer un personaje extremadamente caricaturesco, logra establecer una unión con la credibilidad que el espectador logra apreciar. No es el caso de Brad Pitt o el resto del elenco, quienes no fueron afortunados – o bien recompensados por el director – al personificar roles que no presentaban un espacio para poder liberar el acto escénico. Pero esto no es problema de ellos, sino que de guión ya que éste no ahondaba en la vida de los personajes – salvo quizás Shosanna Dreyfus – desarticulando así las proyecciones que cada interprete podía ejercer.

Lo que Tarantino tiene y de sobra, es el buen uso del lenguaje audio-visual. Y lo separo ex profeso en audio y visual, ya que el director de “Kill Bill” (2003) es un genio en las bandas sonoras de sus cintas, desatando una fiesta en cada una de las salas de cine tal como lo demuestra con “Malditos Bastardos”. Desde sus primeras cintas lo ha demostrado, con soundtracks de culto que se han transformado en piezas obligadas dentro de las colecciones de los melómanos. Y este talento aún no lo pierde Quentin como tampoco el de su fotografía, ya que la posición de la cámara es fundamental para el lenguaje que ha desarrollado a través de los años y que ya se instala como marca registrada dentro de la industria cinematográfica mundial. Los planos de esta obra son por momentos verdaderas odas a la imagen, que compensan la somnolienta historia mostrada luego de lo mejor de la película: su primera parte.

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Cuando se toca un tema tan sensible e importante como este, la exigencia que se pide es superior. No se necesitan actores atrayentes para que la película funcione, ya que el valor agregado no va por ahí. La propuesta debe ser una obra informativa-artística que para un no conocedor del tema, sea una simple forma de culturizarse sobre la historia de una nación. Chile vivió un período de dictadura militar que llevó a cometer atrocidades en Derechos Humanos como la que se vivió en una remota isla del fin del mundo. Lo vivido en Dawson es relatado por uno de sus prisioneros – el actual Ministro de Obras Públicas Sergio Bitar – y es llevado a la pantalla grande por el director Miguel Littin. ¿Pero de qué forma? Cayendo en un relato plano, sin ninguna interiorización de personajes, con actuaciones que no aportan para nada al argumento, con chistes sin sentido que pretenden imponer algo de comedia en una historia dramática y con un desorden escénico que no permite descifrar cuál es el motor de la cinta.

Si bien el libro en que está basado puede ser interesante al detallar la vida en cautiverio político, el valor agregado del audiovisual es desaprovechado por el director, sólo amparado por la belleza del paisaje que protege de alguna manera la calidad del film. Sin el bello entorno de la patagonia chilena, la película podría ser olvidada en cuestión de minutos al no aportar nada y sólo ser un instante de “entretenimiento” para el espectador. Si la trama fuera banal como lo es el 50% de las películas hollywoodenses amantes del dinero, no habría problema y el espectador estaría consciente de que sólo irá a pasar un buen rato. Sin embargo, la historia real escapa de ser ligera al representar el duro momento que muchos chilenos vivieron en ese entonces.

La inclusión de actores mediáticos como Cristián de la Fuente sólo demuestran que el foco del director es otro, descartando la profundidad como debe ser tocado un tema de esa trascendencia. De la Fuente es un actor que no inspira ninguna credibilidad manteniéndose en el mundo del espectáculo sólo por su apariencia física. Caso contrario es el de Benjamín Vicuña que ha insinuado vestigios de buen actor en obras pasadas, pero que sin embargo no es aprovechado por el director al desarrollar una línea argumental bastante confusa en que no existe actor protagónico. Problemas de ejecución se notan y por momentos llegan a cansar. Ejemplo de ello es el uso/abuso del doblaje que más que aclarar los diálogos de los personajes, funciona como otro elemento de irrealidad que aporta negativamente al producto final.

Ante tantas cosas negativas, existen algunas que bien son valoradas y agradecidas. Tal es el caso del registro audiovisual de la época en donde Salvador Allende se muestra en el momento del bombardeo a La Moneda, o el siempre notable Luis Dubó, que en un papel menor logra robarse el protagonismo siendo el rol mejor llevado a pesar de sus diálogos inoportunos impuestos por el guión. Sin embargo, esto no logra revertir el error de desaprovechar una historia que bien valía la pena desarrollarla con más sentimientos, transformándola en una película emotiva que dejara pensando tanto a los partidarios como a los opositores de la dictadura de Pinochet.

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Michael Mann ha establecido una trayectoria bastante particular. Con “El Ultimo de los Mohicanos” (1992) comenzó su deambular, creando un film que hasta el día de hoy tiene adeptos. Luego transcurrió un tiempo de instrospección en el que desarrolló quizás sus mejores films de la mano de Al Pacino con “Heat” (1995) y “The Insider” (1999), hasta tomar a uno de los grandes deportistas americanos para crear su biopic en el año 2001. Sin embargo, en el 2004 propuso una nueva tendencia en la que desarrollaba con maestría el tratamiento audiovisual digital con su film titulado “Collateral”. Luego de ésto, se pegó el porrazo de su vida al llevar a la pantalla grande la clásica serie “Miami Vice” que sin duda alguna fue una mancha dentro de su filmografía, quizás hipnotizado por el vil y sucio dinero.

Ahora, nuevamente se agarra de un actor idolotrado por los productores debido al rendimiento económico que conlleva – sin desmerecer su tremenda calidad actoral – y crea la historia de John Dillinger, personaje de la historia criminal norteamericana, el cual ha sido interpretado en el cine en diversas ocasiones.

A través de una imagen notoriamente distinta a la que estamos acostumbrados a presenciar dentro de una sala, el argumento se desarrolla de forma pausada en la ruta de un guión cansino, que no presenta mayor dinamismo ni giro alguno que provoque un cambio de ritmo que simule a un despertador. De esta forma, la obviedad se transforma en un atributo presencial que inunda la obra hasta ahogar al espectador.

Lamentablemente, el guión es bajo en cambios de ritmo provocando la somnolencia gratuita, lo que logra derrotar el gran plus que tiene la cinta – el sello que está dejando Michael Mann dentro de su filmografía actual – que es la imagen. Con una textura digital, y ante la libertad que otorga este recurso, el director impregna de sentidos el film de manera de que el espectador se interiorice en él, pudiendo visualizar de mejor manera la fotografía limpia y el decorado antiguo que siempre vale la pena apreciar. Si bien, estos aspectos hacen de la cinta una buena obra, el pobre desarrollo argumental provoca que el armado se derrumbe a pesar de tener buenos elementos que nos hacían recordar otras obras.

Por ejemplo, la posición excesivamente estúpida en que sitúan a la policía, es un tema ya habitual en las películas de la época. Hace poco “El Sustituto” proponía algo similar, aunque con un carácter mucho más serio que despertaba al espectador con sentimientos de impotencia ante brutales errores de conducta humana,sin embargo, en “Enemigos Públicos” el desorden ya no tiene límites y la policía se presenta como una tropa de enfermos, que siguen a un lider interpretado por Bale que al parecer tiene un único fin: resultar vencedor en el juego de capturar al “malvado” Dillinger.

¿Es ésto una propuesta interesante? A mí parecer no lo es, y está muy lejos de serlo. Si no fuera por la novedad técnica que muestra Michael Mann o algunas escenas que sí llaman la atención por sus detalles – además de la buena actuación de Depp y Cotillard de la que ya estamos acostumbrados -, la película pasaría al olvido.

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Hace poco en Chile se hizo conocido el Festival de Sundance debido a que una película de este país logró el Premio a Mejor Película. Sin embargo, se debe criticar la poca cultura de esta larga franja de tierra en materia cinematográfica, ya que es bien conocido a nivel mundial la importancia que tiene ese festival en el mercado del cine independiente. “Ella se fue” obtuvo hace dos años el Premio del Público y el Premio a Mejor Guión del certamen estadounidense, posicionándose de esta forma en el ojo de las distribuidoras del globo. A pesar de esto, tuvimos que esperar dos años para que la opera prima de James C. Strouse aterrizara en las salas locales de manera que el público pudiese apreciar el por qué John Cusack fue aplaudido de pie en diferentes muestras internacionales.

Con la música de Clint Eastwood la película deambula entre lo conciso y lo formado, encontrando aristas de emoción que no logran llegar a un buen termino por la falta de carácter que presenta la obra. Si bien Cusack crea un personaje que representa de gran manera el complejo problema de comunicación que vive, el resto de sus protagonistas no ejerce un rol que construya dentro del argumento una línea de comunicación directa con el espectador. Es así como la emoción que se forma no es capaz de conmover como debería, considerando que el guión original basado en una idea real tiene todas las características para hacerlo.

La pérdida de una madre es siempre un tema que conmueve. De hecho, personalmente puedo decir que una de las sensaciones más terribles que he tenido en mi corta vida es despertarme luego de haber tenido el mal sueño de que mi madre moría. Es así como el tema siempre estará latente dentro de la historia de la humanidad – y más aún si se sitúa en el contexto de las guerras -, con la misma potencia y la complicada tarea de informarlo para aquellos que aún pertenecen al mundo de los vivos. ¿Cómo se hace esto? ¿Cuál es la mejor forma de decirle a un hijo o hija que su madre acaba de partir para siempre? El problema es esa palabra: siempre. La absolutez temporal que posee acaba por desgatar las mentes racionales, cayendo en la compleja situación del desamparo.

Las líneas de perspectiva que el director propone, hacen de la trama algo monótono con un final conocido desde el comienzo que sólo tiene la emoción de la espera. Si bien se debe valorar que con un reducido elenco se logra mantener la tensión sin caer en el bostezo fácil, la película deja un gusto a poco acompañado de no haber aprovechado una buena idea. Lo nuevo de Strouse al parecer se viene más potente que esta obra reflejando que haciendo cine se aprende y probando con “The Winning Season” que la comedia podría ser el género al cual se debe dedicar.

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