Vemos Cine » 5° – Viernes: Día del Clásico

El Cine Dogma

Lasnibat — Fri, 26 Jun 2009 19:45:07 +0000

¿Alguien conoce a Thomas Vinterberg? Pues él es uno de los cofundadores del movimiento Dogma junto a Lars Von Trier. Vinterberg afirmó que “la rebelión que supuso esta corriente murió al convertirse en convención”, al tiempo que insistió en que “la moda acaba con el buen arte”. El director explicó que tras el éxito de su película “La Celebración” – que es el primer Dogma realizado -, se sintió “confuso porque de repente tenía la oportunidad de trabajar con grandes estrellas y altos presupuestos, de modo que intentó alejarse del movimiento todo lo que pudo”. A su juicio, el éxito del cine Dogma le “explotó” en las manos y le “descarrió del camino”. En esta línea, indicó que lo que “comenzó como una reacción arrogante y lúdica contra las convenciones cinematográficas, se convirtió en un éxito comercial y artístico que debía morir”.

Para tener en cuenta, son los 10 puntos del manifiesto que debían acatar los directores, para someterse dentro del tratamiento Dogma:

1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
8. Las películas de género no son válidas.
9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
10. El director no debe aparecer en los créditos.

Es así como este tipo de películas no se puede dejar pasar. Es una forma de llegar al realismo absoluto. Tal cual como surgieron las vanguardias pictóricas como el Impresionismo y el Surrealismo, el Dogma es un estilo que bien se debe apreciar para analizar la capacidad que tiene el cine de mostrar una obra. “Los Idiotas” de Von Trier, la misma “La Celebración” de Vinterberg o “Mifune” de Soren Kragh-Jacobsen son parte de las recomendadas de hoy.

La Sociedad de los Poetas Muertos

Lasnibat — Fri, 24 Apr 2009 18:45:32 +0000

Lea la crítica aquí.

“Casablanca”, entre las mejores del séptimo arte

Lasnibat — Fri, 03 Apr 2009 19:33:46 +0000

“Casablanca”
Director: Michael Curtiz
Guión: Murray Burnett, Joan Alison, Philip G. Epstein, Julius J. Epstein, Howard Koch
Elenco: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, Sydney Greenstreet, Peter Lorre, Dooley Wilson, Joy Page
USA, 1942

Un año después de que Humphrey Bogart personificara a Sam Spade en “The Maltese Falcon” (1941) a Ingrid Bergman le tocó interpretar a Ilsa Lund en “Casablanca”. Sabiendo que Bogart sería su co-protagonista, Bergman revisó una y otra vez la película del halcón maltés de manera de ver con quién se iba a enfrentar en su próximo trabajo. Quizás la poca diferenciación que muestra el actor neoyorquino entre sus diversos roles hace que su participación no sea tan destacada dentro de su filmografía, sin embargo si se logra apreciar la cinta desde un punto de vista ajeno al trabajo de Bogart en otros films, el espectador se logra compenetrar con él y creer cada uno de sus actos. Además notoriamente a Bergman se le hizo más fácil trabajar con él debido a que el actor era tal cual se mostraba en pantalla, logrando así representar a una pareja que muy pocas veces se ve en la pantalla grande.

El guión, basado en la obra de Murray Burnett y Joan Alison, narra una de las historias de amor que más recuerdan los entendidos del séptimo arte. Los gemelos Epstein junto a Howard Koch fueron los encargados de llevar la obra al formato del cine desarrollando un relato que compilaba una serie de rasgos que maravillaron a la audiencia por sobre lo esperado situando a “Casablanca” como uno de los mejores guiones realizados en la historia del cine. Sin embargo, no es casualidad que los actores traspasen ese dramatismo y esa intriga en cada una de las escenas, debido a que el guión se iba escribiendo a medida que la película se filmaba, por lo que el elenco nunca supo hasta el último momento el desenlace de la historia siendo ésta la parte más dificil de escribir por su tremendo contenido y las discusiones que surgían entre el equipo creativo por elegir el mejor y más apropiado final.

Cuando me refiero a apropiado es justamente eso, ya que la película no desenvuelve una trama fácil de contar. Aparte de tratar un tema bastante complicado respecto a las relaciones amorosas – el cual tuvo que ser solapado agregandole un detalle sutil -, la historia se desarrolla en plena Segunda Guerra Mundial aún cuando ésta estaba en curso. Muchos de los actores que hacían el rol de Nazis en “Casablanca” eran en realidad alemanes que venían escapando del régimen de su país. La película adoptó claramente una posición contraria a la guerra mostrando incluso características de la postura tomada dentro de su propia trama, como por ejemplo al destacar que los “malos de la película” eran de nacionalidad italiana, país que estaba bajo el mando fascista de Mussolini. De hecho eso fue lo que motivó a Warner Bros para producir la cinta ya que desde hace algún tiempo se mostraban también contrarios a la postura Nazi prohibiendo incluso la distribución de sus films en territorios ocupados por Hitler.

El realismo desplegado en la obra es tan expresivo que la noticia de que los Aliados hayan invadido Casablanca en la vida real (noviembre de 1942) no impactó en demasía al equipo de producción debido a que su trabajo fue de acuerdo a los hechos ya acontecidos. Las emociones vividas durante el rodaje de la cinta dirigida por Michael Curtiz son transmitidos directamente al espectador el cual logra captar sensaciones que pocas películas logran producir. Inolvidable el momento en que la Marsellesa enmudece el canto alemán en donde algunos extras que participaban en la escena derramaron más de alguna lágrima… esas mismas que se quedaron atrapadas en las gargantas de los espectadores años después.

Inicialmente el rol de Ilsa Lund lo realizaría Michèle Morgan, sin embargo los productores al verse afectados por la gran suma de dinero que Morgan exigía decidieron optar por una de las mujeres más hermosas de la historia del cine: Ingrid Bergman. La actriz de origen sueco hace su primera aparición luego de veinticinco minutos y es ahí donde la historia comienza con su desarrollo fino. Sam, que inicialmente sería un personaje femenino interpretado por Ella Fitzgerald, fue personificado por Dooley Wilson, quien era un talentoso percusionista y gran imitador de movimientos de manos, posibilitando así que sus escenas se realizaran copiando al verdadero pianista que se sentaba detrás de las cámaras el cual interpretaba de gran manera el tema principal de la película. Max Steiner, compositor de la música de “Casablanca” y de otras obras de gran envergadura como “Gone with the Wind” (1939) – precursora de la inclusión del leitmotiv -, estuvo en contra de usar “As time goes by” como tema principal para evitar pagar los derechos de autor de ésta y le propuso a Wallis, productor de la cinta, que cambiaran la canción de la pareja protagónica por una de su autoría. “Casablanca” ya estaba rodada e Ingrid Bergman ya estaba preparada para actuar en su próximo film el que le exigía un corte de pelo, por lo que era imposible volver a rodar las escenas de la canción. Dicen que el destino forma cosas increibles y sin duda una de ellas es “Casablanca”.

Pocas veces se ven obras que tengan una curva de desarrollo argumental en forma logísitica. Estamos acostumbrados a apreciar historias que poseen un inicio, un desarrollo y un desenlace graficando curvas gaussianas. Sin embargo, “Casablanca” tiene la capacidad de relatar una historia sin caer en el desenlace, proponiendo un auge notorio en su desarrollo que finaliza con el punto más alto. Hace algún tiempo, en la decada de los ochenta, el guión de “Casablanca” fue enviado a algunas agencias de producción cinematográfica bajo otro título. Los productores lo encontraron anticuado, con mucho diálogo y con poco sexo. Es quizás por esto que en la actualidad no existen películas de esta categoría en que el contexto general vale y lo vivido por el espectador durante su visualización quedará para siempre.

Le dejamos de regalo esta joya. Una de las mejores escena del cine en conjunto con la mejor canción mostrada en una película según muchos rankings alrededor del mundo:

Adolfo Aristaraín

Lasnibat — Sat, 13 Dec 2008 19:27:38 +0000

Si cito el nombre de Adolfo Aristaraín en una conferencia de ingenieros, sin duda que menos del 5% reconoce su nombre. Si lo hago en un sitio como este, con suerte más del 40% lo logra identificar con el cine argentino. Sin embargo, espero que a futuro el nombre de Adolfo Aristaraín se sitúe como uno de los grandes directores de cine latinoamericano, ya que es uno de sus máximos exponentes tanto por su calidad visual como por su enorme contenido social.

En 1992 se hizo conocido a nivel mundial por su enorme película “Un Lugar en el Mundo”, la cual fue nominada al Oscar para Mejor Película Extranjera y acreedora del Goya y de la Concha de Oro de San Sebastián por la misma categoría. Sin embargo, a pesar de tener un talento arrollador, el director ha realizado tan sólo 12 películas desde 1978, y más aún luego de su éxito en 1992 ha hecho 4 obras más demostrando que su inquietud es tomarse el tiempo necesario para comenzar a filmar.

Desde el 2004 que Aristaraín no nos asombra nuevamente. “Roma”, su última película, parece lejana y por eso exigimos que el maestro vuelva. “Lugares Comunes” (2002), su anterior cinta, también fue un fenómeno, resaltando una vez más la sencillez con que Aristaraín filma y las situaciones cotidianas que presenta. Justamente esto hace que la visión del director argentino sea cercana al público, proyectando obras que acogen a la multitud como si nos llevaran de la mano hacia las sutilezas de la vida.

No se pierdan nunca una obra de Adolfo Aristaraín, ya que es un director al que se le debe apreciar.

El Ente

Lasnibat — Fri, 07 Nov 2008 17:54:26 +0000

Muchos son los fanáticos de las películas de género. “Me gustan las películas de acción”, dicen unos. Otros se inclinan por las comedias, los dramas o las de suspenso. En particular, a mí no me parece catalogar las películas, sin embargo es inevitable que la gente lo haga de manera de ordenar un poco sus ideas. Las películas que contienen acción, suspenso, drama y comedia dentro un mismo argumento, engrandecen su contenido. Sin embargo, estamos de acuerdo en que un sólo género es lo que predomina dentro de una cinta y para cada género existen películas inolvidables.

Es el caso de “El Ente” (1981) dirigida por Sidney J. Furie, que sin tener un argumento de lujo y actuaciones memorables, se ha logrado posicionar dentro de las películas de terror de culto de la historia cinematográfica mundial. Muchos hablan de que “El Exorcista” (1973) dirigida por William Friedkin es la mejor de todas. Otros se inclinan por “La Profecía” (1976) de Richard Donner o “Psicosis” (1960) de Alfred Hitchcock como la que lleva el estandarte de número 1. Sin embargo, debido a que personalmente nunca uso superlativos, hablaré de “El Ente” como una película que debe estar entre las mejores películas de su género, a causa de que el impacto que logró ocasionar dentro de los espectadores fue – y es – de tal magnitud que es merecedora sin lugar a dudas de este honor.

Como dije, el director no le otorga una precisión como quizás lo haya logrado en su film “The Ipcress File” protagonizado por un joven Michael Caine, sino que es el argumento de Frank De Felitta el que le da un suspenso único, especialmente en la escena final. Este final, distinto a finales sorprendentes como el de “Sexto Sentido” o impactantes como el de “Los Siete Pecados Capitales”, es un final inesperado, que deja con los pelos de punta, y que si tuviste el valor de ver la película con la luz apagada y en una casa antigua, no podrás dormir tranquilo aunque seas el ser más valiente de este planeta.

Inicios del Cine Via Youtube

Raul — Sat, 30 Aug 2008 15:06:50 +0000

La recomención de este día viernes estará dada por el visinado de los primeros antecedentes de la cinematografía, es decir desde los primeros atisbos de capturar el movimiento hasta la primera proyección pública pagada realizada en 1895. Estos antecedentes los podrán visualizar en esta misma página, gracias al linkeo directo desde youtube. El popular sitio de internet no solo actúa como resumidero de trayectorias musicales o plaza pública en donde se comparten los devenires personales-audiovisuales de los cibernautas. Youtube también se ha transformado en una importante ventana para los estudiosos y académicos, los cuales pueden acceder a material antes no disponible. El probema radica en la selección y depuración de dicho material. Es por esto que aquí les presentamos una serie de videos correspondientes a la primera etapa del cine, acompañados de una guía introductoria a modo de apuntes.

Orígenes del Cine:

A diferencia del resto de las disciplinas artísticas, el cine depende para su desarrollo de la existencia de una serie de entramados técnico-industriales. Antes de la existencia de los mismos, una serie de hombres y empresas realizaron una serie de experiencias buscando registrar el movimiento, capturarlo y proyectarlo.

La base de estas experiencias se funda en la fotografía. La disciplina que permitió capturar imágenes fijas reproduciendo la realidad que nos circunda tiene, según el teórico alemán Sigfried Kracauer, cuatro inclinaciones naturales: afinidad con la realidad inmediata y sin artificios; acento en los hechos casuales; ausencia de límites y tendencia hacia lo infinito; y afinidad con lo indefinido, posibilidad de múltiples significados.

Sin embargo faltaba el instrumento que tuviese la capacidad de recrear la duración de la realidad, su propio fluir, faltaba la disciplina que reuniese estas cuatro inclinaciones naturales de la fotografía y agregase esta quinta, la manipulación espacio-temporal para su posterior articulación.

Y es en la materialización de esta posibilidad que el cine tiene su nacimiento.

Primeros Antecedentes:

El cine y la fotografía comparten el hecho de requerir de una película sensible a la luz que permita la impresión de la misma. La emulsión fotográfica en un principio requería de largos tiempos de exposición para obtener una imagen única. Los avances en la sensibilidad de la película permitieron el paso de una exposición larga a la captura en milésimas de segundos (1/25 segundos) del objetivo a ser registrado.

Este avance permitió en 1879 al científico norteamericano Eadweard Muybridge realizar por encargo un experimento que pretendía dilucidar si al correr de un caballo apoyaba o no sus cuatro cascos en el suelo. Apoyado por 24 cámaras fotografió el galope del corcel, y de la unión de los 24 fotogramas realizó una animación.

http://www.youtube.com/watch?v=Yib9JhsNIQQ

http://www.artsmia.org/animal-locomotion/

En esta animación se encuentra el paso intermedio entre la fotografía y el cine.

En 1982 el científico francés Etienne-Jules Marey inventó una cámara que era capaz de registrar 12 imágenes diferentes en el borde de un disco giratorio de película. Marey perfeccionó su invento en 1888, construyendo una cámara que utilizaba por primera vez una tira de película flexible, aunque esta estaba constituida por papel. Los experimentos de Marey constituyen el primer avance en la constitución de un dispositivo que permitiese capturar rudimentariamente el movimiento.

http://cineojo.wordpress.com/2007/10/27/etienne-jules-marey-en-francia-y-al-mismo-tiempo/

Ahora, para que el cine tuviese su existencia como tal se requería de la invención de una emulsión que permitiese capturar una serie prolongada de fotogramas. Esta emulsión aparecerá en 1898 gracias a la Kodak, y se denominará celuloide. Con la creación de dicha emulsión, más los aportes de Muybridge y Marey el cine ya estaba pronto para “ver la luz”. Ahora, para que dicha luz pudiese ser transformada en imágenes, se requerían de tres máquinas que tuviesen la capacidad de crear y mostrar dichas imágenes. Las tres comparten un principio básico: un mecanismo controla la cantidad de luz que admite la película, hace que la tira de celuloide avance fotograma a fotograma y lo expone a la luz durante el intervalo adecuado. Estas tres maquinas son: la cámara, la positivadora (que se encarga de copiar el film) y el proyector.

El perfeccionamiento de estas tres máquinas se los debemos a quienes se consideran los verdaderos padres del cinematógrafo: Thomas Edison y William K.L. Dickson en Estados Unidos y los hermanos Lumiere en Francia. Sin embargo veremos que la visión de unos sobre los otros les permitirán sólo a los Lumiere granjearse merecidamente el honor de ser considerados los padres del nuevo arte.

Black Maria y los inicios del registro del movimiento

Black Maria es considerado el primer estudio cinematográfico de la historia. Construido por Thomas Edison en 1890 para experimentar con la captura del movimiento, consistía en un estudio absolutamente oscuro, y donde sólo entraba luz por una pequeña porción del techo que se abría específicamente para dichos fines. Como su fuente de luz era natural, el estudio giraba en torno al movimiento del sol, gracias a un sistema de circular muy similar a un dolly, o tramo de tren. Edison llevaba a dicho estudio a los objetos a ser registrados (deportistas, indios, parejas), transitando lentamente desde el simple registro a la narración de pequeñas situaciones:

Thomas Edison, Sioux Ghost Dance

http://www.youtube.com/watch?v=xZb0V0XLIbs

The First Film Kiss Ever Recorded (1896)

http://www.youtube.com/watch?v=tKrpN_9yCyU&feature=related

The kiss – 1900

http://www.youtube.com/watch?v=J8lExg24PSs&NR=1

The Cafe ( The Thomas Edison Film Company ) 1901

http://www.youtube.com/watch?v=_8wrGqMVeTs

Ahora, para registrar dichas situaciones se requería perfeccionar la máquina de Etienne-Jules Marey. Edison encargará a su ayudante William K. L. Dickson el idear esta maquina, la cual fue diseñada para hacer películas cortas en 35mm. El dispositivo creado por Dickson permitía que la película corriese a través de una serie de engranajes dentro de la cámara, sistema en el cual aún se basan las cámaras actuales.

Sin embargo Edison no vio en este nuevo invento la posibilidad de convertirse en un entretenimiento masivo. Los films producidos en Black Maria tenían como objetivo el visionado individual, para lo cual existía el llamado Cinetoscopio, que consistía en una máquina que permitía, previa inserción de una moneda, ver las distintas producciones de su estudio. Pese a su merecido sitial en el panteón de los grandes inventores de la humanidad, Edison no fue capaz de desentrañar las posibilidades de su invento, ya que consideraba a las películas una moda pasajera, y por tanto no centró sus esfuerzos en la invención de una máquina que permitiese la exhibición colectiva de los filmes.

Es por esto que ni Edison ni Dickson son considerados los padres del cine, honor que si recaerá en dos hermanos franceses.

Los Lumiere y el Nacimiento del Cine:

“Este aparato inventado por MM. Auguste y Louis Lumière, permite recoger, en serie de pruebas instantáneas, todos los movimientos que, durante cierto tiempo, se suceden ante el objetivo, y reproducir a continuación estos movimientos proyectando, a tamaño natural, sus imágenes sobre la pantalla y ante sala entera”.

Así rezaba el cartel que los hermanos Louis y Auguste Lumière colocaron para anunciar la primera exhibición de la historia del cine, celebrada el 28 de Diciembre de 1895 en el Grand Café de París.

The Lumiere Brothers’ – First films (1895)

http://www.youtube.com/watch?v=4nj0vEO4Q6s

Los Lumière crearon su propia cámara, pero a diferencia de la de Edison-Dickson, esta también cumplía las veces de copiadora (positivadora) y proyector. Así confirieron al cine sus tres máquinas principales, e hicieron de este un espectáculo masivo. El cinematógrafo de los hermanos Lumiere destacaba por su pequeño tamaño, lo que le permitía ser usado primero en exteriores cercanos a Paris, para luego recorrer el mundo en busca de vistas exóticas y acontecimientos de importancia, transformándose en antecedentes directos de las películas de viaje y los noticieros respectivamente.

A aquellas primeras proyecciones de 1895 fue invitado un reconocido director teatral, el cual quedó maravillado con el nuevo invento. Este hecho no es para nada casual, ya que indefectiblemente todos los espectadores quedaban pasmados, sorprendidos, asustados y, finalmente, maravillados con el nuevo prodigio. Sin embargo a este encandilamiento con el aparato siguió la propuesta de compra del mismo. Tanto la respuesta de Antoine Lumiere como el nombre del comprador pasaron a la historia:

“Amigo mío, deme usted las gracias. El aparato no está a la venta, afortunadamente para usted, pues lo llevaría a la ruina. Podrá ser explotado durante algún tiempo como curiosidad científica, pero fuera de esto no tiene ningún porvenir comercial”

El comprador no se dio por vencido y busco la manera de hacerse de su propio aparato. Su nombre era Georges Melies…

Parte Sanfic 4

Raul — Sun, 17 Aug 2008 22:44:06 +0000

Este martes 19 de Agosto se da el vamos al Santiago Festival Internacional de Cine, más conocido como Sanfic. Esta 4º versión trae dos nuevas secciones: Experiencias, en donde se estrenarán en Chile las últimas producciones de directores de alto prestrigio y trayectoria, y Sanfic Música, espacio dedicado a las obras que giran en torno a la temática musical.

Como este espacio está orientado a la recomendación de filmes transcribo aquí una pequeña bitácora de películas a ver los primeros 3 días de festival, la cual renovaremos el próximo viernes. Los textos corresponden a la página oficial del festival A su vez nuestro sitio realizará comentarios de los filmes vistos, para lo cual hemos creado la categoría Especial Sanfic.

Aca las sugerencias por día:

Full metal village
Alemania, 2006, 90’, 35 mm

Si nos guiamos por el cielo, las vacas pastando y la gente tomando café con dulces caseros, la primera impresión de Wacken, en el estado de Schleswig-Holstein, al norte de Alemania, lo retrata como un típico pueblo germano, tranquilo e idílico. Pero la vida cotidiana de los pacíficos agricultores y granjeros que lo habitan se ve remecida una vez al año, cuando durante tres días el pueblo es la sede del Wacken Open Air Festival, un encuentro de heavy metal al aire libre que convoca a 40.000 fanáticos de la música pesada. En su debut en el largometraje, la directora coreana Sung-Hyung Cho, que lleva 20 años viviendo en Alemania, no centra el documental en el evento, sino en los pobladores de Wacken y su sorprendente convivencia con los metaleros: ellos están orgullosos del festival y sus visitas, y la simbiosis que se establece entre dos culturas tan opuestas conforma un film curioso, divertido y entrañable.

Martes 19, 18:00 hrs., Cinemark Alto Las Condes Sala 1
Sábado 23, 16:00 hrs., Cinemark Alto Las Condes Sala 1

Camino a la redención
Estados Unidos-Alemania, 2007, 102’, 35 mm.

Tras sus inicios como guionista de Jim Sheridan en los filmes En el nombre del padre y Golpe a la vida (The boxer), y luego de ser nominado al Oscar por la primera, el irlandés Terry George debutó como director en 1996. Y con sólo tres largometrajes ya ha obtenido importantes elogios, en especial tras su segundo filme, Hotel Rwanda, nominado a tres premios de la Academia, incluyendo una nueva candidatura para George como guionista. En esta nueva cinta, estrenada en el pasado Festival de Toronto, desarrolla un drama que a partir de un accidente en una gasolinera, desencadena una investigación policial y un difícil y doloroso conflicto para dos familias que se ven involuntariamente mezcladas: por un lado, un profesor universitario, su esposa y sus dos hijos, y por el otro un abogado, su ex esposa y el hijo de ambos. Sus vidas nunca serán las mismas después del incidente.

Martes 19, 20:00 hrs., Cinemark Alto Las Condes Sala 1
Miércoles 20, 16:30 hrs., Cinemark Alto Las Condes Sala 1

Luz silenciosa
Stellet licht / Silent Light
México-Francia-Holanda-Alemania, 2007, 142’, 35 mm.

Considerado como uno de los cineastas más provocativos, estimulantes y talentosos surgidos en Latinoamérica en la última década, el mexicano Carlos Reygadas dividió las opiniones del público y la crítica con sus dos primeras películas, Japón y Batalla en el cielo. Sin embargo, y aunque aún algunos opinan que su cine es pretencioso y sobrevalorado, con este nuevo largometraje, que el año pasado participó en la competencia oficial del Festival de Cannes y ganó el Premio del Jurado, ha cosechado entusiastas elogios en todo el mundo. Ambientado en una comunidad menonita en el estado mexicano de Chihuahua, está protagonizado por Johan, un hombre casado y con hijos, que esconde una relación adúltera y no sabe cómo salir de la encrucijada afectiva en la que se encuentra. Con evidentes ecos del cine de Dreyer, en Luz silenciosa Reygadas vuelve a deslumbrar con su austeridad narrativa y la prodigiosa visualidad que enmarca su historia.

Martes 19, 22:00 hrs., Hoyts La Reina Sala 14
Miércoles 20, 17:00 hrs., Hoyts La Reina Sala 14

Cashback
Inglaterra, 2006, 102’, 35 mm.

En 2004 Sean Ellis cosechó elogios con su cortometraje Cashback, que ganó un premio en Tribeca y fue nominado al Oscar. Dos años después estrenó en el Festival de Toronto este primer largometraje homónimo, que además de incluir al corto original, lo utiliza como punto de partida para una historia que desarrolla a los mismos personajes y situaciones. Tras ser abandonado por su novia Suzy, el estudiante de Artes Ben Willis padece de un rebelde insomnio, y para soportar esas noches sin dormir decide trabajar en el turno de noche del supermercado de su barrio. Pronto descubrirá a un pintoresco y excéntrico grupo de personas que trabaja en el lugar; cada uno intenta hacer todo lo posible para vencer el aburrimiento de esas ocho horas de trabajo, y cuando Ben comienza a imaginar que puede detener el tiempo, su mirada hace que el mundo congelado, con la gente inmóvil, se vea más hermoso y fascinante.

Martes 19, 22:00 hrs., Hoyts San Agustín
Domingo 24, 18:00 hrs., Hoyts San Agustín

Chrigu
Suiza, 2007, 87’, 35 mm.

“Hagamos un documental juntos”, le dijo Christen Ziörjen a su amigo Jan Gassmann, advirtiéndole que lo abandonaría en algún momento. La particularidad del filme radicaba en que éste registraría la enfermedad que aquejaba a Christen, conocido entre sus amigos como Chrigu: un cáncer terminal que le descubrieron a los 21 años y que lo obligó a replantearse todos sus sueños para el futuro, incluyendo su banda de hip-hop. Pero en vez de convertirse en crónica de una agonía, Chrigu es una afirmación de la vida en la que la muerte es un ángulo inevitable; la música de Ziörjen recorre el documental mientras se desarrollan las distintas facetas de su protagonista, un entusiasta de las imágenes que desde los 16 años grabó cada una de sus experiencias, desde fiestas y conciertos hasta un viaje a la India. La cinta se presentó en la sección Forum del Festival de Berlín 2007, donde obtuvo el Premio del Jurado Ecuménico.

Miércoles 20, 16:00 hrs., Hoyts La Reina Sala 10
Jueves 21, 19:00 hrs., Hoyts La Reina Sala 10

Flower in the pocket
Malasia, 2007, 97’, video

Los pequeños Li Ahn y Li Ohm viven cada día como si fuera una aventura. Han crecido sin su madre y se supone que su silencioso padre, Sui, debería cuidarlos, pero él está ausente del hogar durante toda la jornada, trabajando en un taller de reparación de maniquíes; por eso los niños aprovechan de ausentarse de la escuela, vagar por las calles, hacer travesuras, meterse en problemas y hasta adoptar un cachorro que se convierte en su más importante lazo emocional. Desafiando el cliché que advierte de las dificultades de filmar con niños, en su debut el director Liew Seng Tat capta el universo infantil con sorprendente calidez y naturalidad, abordando una historia sensible y sencilla, llena de pequeños detalles. Con ella, ya ha sido premiado en los festivales de Pusan y Rotterdam, además de exhibirse en la Berlinale y Bafici, entre otros.

Miércoles 20, 20:00 hrs., Hoyts La Reina Sala 4
Viernes 22, 15:00 hrs., Hoyts La Reina Sala 4

Historias extraordinarias
Argentina, 2008, 245’, video

Considerado uno de los realizadores más interesantes del cine argentino de la última década gracias a su documental Balnearios, en este nuevo largometraje Mariano Llinás emprendió un verdadero tour de force: con una duración de cuatro horas, su película desarrolla tres historias paralelas que incluyen misterios, enigmas, incendios e inundaciones, en un escenario tan aparentemente trivial como los aletargados pueblos de campo de la Provincia de Buenos Aires. Un hombre que sin querer mata a otro y debe ocultarse; un personaje que ocupa el puesto de trabajo de otro al que no conoce y que acaba de morir; y otro sujeto que emprende un viaje extraño y lleno de aventuras. Tras su estreno en el último Bafici -donde ganó un premio especial del jurado y fue la más votada por el público-, el exigente crítico Quintín escribió en su blog que “la película es un desafío múltiple al estado de cosas, al status quo del cine”. Bienvenido sea.

Miércoles 20, 19:00 hrs., Centro Arte Alameda
Jueves 21, 19:00 hrs. Centro Arte Alameda

El secreto del bosque
Mogari no mori / The mourning forest
Japón-Francia, 2007, 97’, video

Desde su debut fílmico en la década pasada, la directora Naomi Kawase se ha convertido en uno de los nombres más importantes del cine oriental actual, gracias a films como Shara, de elogiado paso por la competencia oficial de Cannes 2003. El secreto del bosque también participó en el certamen el año pasado, obteniendo el Gran Premio del Festival; pero la cinta ha generado divisiones entre espectadores y críticos, porque no todos se dejan cautivar por su ritmo lento o el tono contemplativo con el que la realizadora cuenta la historia de una joven que intenta superar la muerte de su hijo, trabajando en un hogar donde desarrolla fuertes lazos con uno de los ancianos a los que debe cuidar, enfermo de Alzheimer. Cuando ella decide llevarlo de paseo por su cumpleaños, un problema inesperado cambiará sus planes, y es a partir de ahí que Kawase vuelve a desafiar las convenciones narrativas, desarrollando una película poética, misteriosa y exigente.

Miércoles 20, 23:00 hrs., Hoyts La Reina Sala 3
Jueves 21, 16:00 hrs., Hoyts La Reina Sala 3

Tony Manero
Chile, 2008, 98’, 35 mm

Tras sus elogiadas exhibiciones en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes, Pablo Larraín nos presenta su segundo largometraje. En el Santiago de Chile de 1978, en plena dictadura de Pinochet, la única obsesión de Raúl Peralta, un hombre de 50 años, es parecerse lo más posible al personaje cinematográfico de moda: Tony Manero, el bailarín que John Travolta interpretó en Fiebre de sábado por la noche. Raúl lidera un pequeño grupo de bailarines que regularmente actúan en un bar de los barrios bajos de la ciudad; su sueño de ser reconocido como una estrella podría cumplirse cuando Televisión Nacional anuncia el concurso de imitadores de Manero, pero la necesidad de reproducir la atmósfera de la película lo llevará a cometer una serie de crímenes y robos, mientras sus compañeros de baile, quienes están involucrados en actividades clandestinas en contra del régimen, son perseguidos por la policía secreta

Jueves 21, 16:00 hrs., Hoyts La Reina Sala 14
Sábado 23, 22:00 hrs,, Hoyts La Reina Sala 14

El silencio antes de Bach
Die Stille vor Bach / The silence before Bach
España, 2007, 102’, 35mm

Aunque sólo ha dirigido una decena de películas en 40 años de trayectoria, Pere Portabella es considerado una de las figuras más importantes del cine europeo: además de ser productor en títulos clave de la filmografía hispana –Los golfos de Saura, El cochecito de Ferreri, Viridiana de Buñuel-, como cineasta ha sido seleccionado en la Quincena de los Realizadores de Cannes y fue objeto de homenajes y retrospectivas en la Documenta 11 de Kassel, el Centre Pompidou y el Bafici, entre otros. Próximo a cumplir 80 años, en este nuevo trabajo, estrenado en el Festival de Venecia 2007, ganador del Premio Especial del Jurado en Gijón y exhibido en el MoMA de Nueva York, Portabella vuelve a sorprender: lo que pudo ser una biografía más del célebre compositor alemán, se convierte en sus manos en una cinta que reflexiona sobre la cultura europea y sus iconos, optando por interpelar al espectador sin desarrollar un argumento tradicional.

Jueves 21, 15:30., Cinemark Alto Las Condes Sala 1
Lunes 25, 15:30 hrs., Cinemark Alto Las Condes Sala 1

En la ciudad de Sylvia
In the city of Sylvia
España, 2007, 84’, 35mm.

A través de una historia mínima -prácticamente una anécdota-, casi sin diálogos y sin dar demasiadas pistas al espectador, Guerín compitió en el Festival de Venecia 2007 con este fascinante, poético y sensible ejercicio visual y narrativo en torno a la búsqueda de un joven que intenta volver a encontrar a Sylvia, de la que años atrás se enamoró cuando se conocieron en Estrasburgo; ahora está de regreso en la apacible ciudad francesa, y cada día observa a las mujeres que se le cruzan por delante, retratándolas mientras anhela recuperar ese fantasma del pasado, con una obsesión que adquiere rasgos casi hitchcockianos. Aunque se trata de una ficción, el director desarrolla un tono casi documental para capturar cada una de las imágenes y sonidos que caracterizan el entorno urbano, logrando no sólo que Estrasburgo luzca atractiva y real, sino además que se convierta en un personaje más de este film bello, enigmático y memorable por su sencillez y delicadeza.

Jueves 21, 20:00 hrs., Hoyts La Reina Sala 14

Unas fotos en la ciudad de Sylvia
Some photos in the city of Sylvia
España, 2007, 67’, video

Tan cautivante como En la ciudad de Sylvia, este documental desarrollado en base a fotos fijas en blanco y negro conforma una suerte de hermoso y complejo díptico con la otra película, y aunque funciona independientemente, se hace más valioso como un complemento que se aprecia mejor al verlo con posterioridad a ésta. Este film surgió como un diario visual registrado entre el verano y el otoño de 2004, con fotografías captadas simplemente con una cámara digital, de manera instintiva y espontánea. Acá también se trata de un hombre que regresa a Estrasburgo, pero han pasado 22 años, y su búsqueda lo llevará a otras ciudades, evocando el rostro de su amada en distintos sitios, transformando el relato en una sutil y profunda indagación sobre el paso del tiempo y el poder de las imágenes.

Miércoles 20, 22:00 hrs., Hoyts La Reina Sala 4
Jueves 21, 22:00 hrs., Hoyts La Reina Sala 4

Irrespirable
Chile, 2007, 62’, video

La opera prima de Matías Pinochet García integró la sección Cine en Construcción en los últimos Encuentros de Cine de América Latina en Toulouse, y está protagonizada por Alicia y Pablo, dos jóvenes de 26 años que se conocen una noche por casualidad y pronto inician una breve pero intensa relación. Ambos son dos seres impulsivos y aburridos de sus vidas, que necesitan una forma de huir de esa realidad gris y asfixiante que parece anclarlos en Santiago; deciden irse a vivir a México, se endeudan y para juntar dinero organizan una fiesta para reunir fondos, pero el rock, el alcohol y la ciudad les tienen preparados otros planes. Mezclando el presente con los recuerdos, Irrespirable reconstruye los lazos que unen y separan a la pareja; en la película se siente un espíritu punkie, que incluso permite la presencia de Alvaro España, vocalista de la emblemática banda chilena Fiskales Ad-Hok.

Jueves 21, 22:00 hrs., Hoyts La Reina Sala 3
Viernes 22, 22:00 hrs., Hoyts La Reina Sala 3

Las niñas
Chile, 2007, 72’, video

Estrenado en la categoría Horizontes Latinos del pasado Festival de San Sebastián -además fue seleccionado en la categoría Cine en Construcción que el certamen español organiza en conjunto con Toulouse- y premiado en Miami y Utrecht, el primer largometraje de Rodrigo Marín fue filmado en apenas 24 horas, con sólo tres cámaras digitales, dos actrices que se conocieron el mismo día del rodaje y un guión cuyos diálogos fueron surgiendo en los ensayos. Las niñas es una película delicada e intimista, que transcurre en un departamento y retrata un día en la relación que une a Antonia y Sofía, dos jóvenes amigas que poco a poco se van descubriendo en medio de sus diferencias y mentiras, la amenaza de una enfermedad y la naturaleza de los lazos que las unen.

Jueves 21, 20:00 horas, Hoyts La Reina, sala 4
Lunes 25, 17:00 horas, Hoyts La Reina, sala 4

A 20 Años de “Cien Niños Esperando un Tren” e “Imagen Latente”

Raul — Fri, 08 Aug 2008 05:07:05 +0000

1988 es un año clave en la historia política de Chile. El 5 de Octubre se celebrarían unos comicios en donde el país debía decidir si el régimen militar continuaba o no en el poder.

La opción SI significaba la mantención del régimen, pero esta vez validado por la vía de las elecciones, con Pinochet como gobernante elegido democráticamente.

La opción NO significaba el rechazo a la opción de Pinochet en el poder, y la posibilidad de realizar comicios libres entre una serie de candidatos a la Presidencia de la República.

Ese mismo año se “estrenarán” en nuestro país dos producciones cinematográficas que capturan lo sucedido durante el régimen militar, lo cual las llevará a sufrir una serie de restricciones por parte de la Censura. Estas películas son “Cien Niños Esperando un Tren” de Ignacio Agüero e “Imagen Latente” de Pablo Perelman.

Ignacio Agüero y Alicia Vega

“Cien Niños Esperando un Tren” es el tercer documental de Ignacio Agüero, quién antes había realizado “No Olvidar” (1982) y “Como me da la Gana (1985). Agüero inicia su trabajo fílmico en plena dictadura, luego de obtener en 1979 su título de director artístico con mención en cine en la Escuela de Artes de la Comunicación de la Universidad Católica. Participa como ayudante de investigación en el libro “Re-visión del Cine Chileno” (1979), escrito por su profesora Alicia Vega. También es ese año comienza a filmar los hornos de Lonquén, en donde habían sido encontrados los restos de varios detenidos desaparecidos. El resultado de estas filmaciones será el documental “No Olvidar”, el cual firmará bajo el seudónimo de Pedro Meneses para así evitar posibles represalias del régimen. En 1986 estrena “Como me da la Gana”, compendio de las realizaciones de cine chileno realizadas en 1985, en donde Agüero visita los rodajes de las películas para interrogar a los directores de las mismas.

En 1987 filma todas las sesiones del taller de cine para niños que imparte Alicia Vega en la población Lo Hermida. El resultado de este proceso será “Cien Niños Esperando un Tren”, el cual le confiere a Ignacio Agüero el reconocimiento internacional, obteniendo su filme diez premios, incluyendo Mejor Documental en el Festival de Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana y el John Grierson Award. La pasión por la enseñanza de Alicia Vega se despliega ante nuestros ojos de manera directa, siguiendo paso a paso el aprendizaje del cine por parte de niños de escasos recursos. Será esta posibilidad de aprender no sólo de los niños sino que también sus familias lo que vuelve a “Cien Niños Esperando un Tren” un relato sobrecogedor. Lamentablemente el gobierno militar no opinará lo mismo: la película será calificada para mayores de 21 años por el Consejo de Calificación Cinematográfica, lo cual hacía que los propios protagonistas no pudiesen verse en el cine. Esto no impedirá que se formen largas filas al momento de su estreno en los cines El Biógrafo y Cine Arte de Viña del Mar, convirtiendo a la película en un éxito de público y crítica.

Si la película de Agüero tuvo problemas con la censura, el caso de Pablo Perelman es aún más dramático.

Realizada en plena dictadura militar, “Imagen Latente”, segundo largometraje de Pablo Perelman, aborda parte de su propia biografía. Luego de co-dirigir junto a Silvio Caiozzi “A la Sombra del Sol” (1974) Perelman emigra a México, en donde se convertirá en un destacado montajista. De vuelta en Chile Perelman filmará esta historia íntimamente ligada a su propia vida, ya que también sufrió la desaparición de su hermano por parte de agentes de seguridad del Estado. La película narra la historia de Pedro, un fotógrafo que busca la verdad sobre la muerte de su hermano detenido desaparecido, para lo cual reconstruirá paso a paso su vida y las circunstancias de su detención.

Aprovechando la popularidad de una serie de rostros televisivos filma en exteriores tal como si se tratase de escenas para una telenovela. Sin embargo el filme está lejos de ser eso: “Imagen Latente” es la película de ficción más explicita en cuanto al desarrollo de los atropellos a los derechos humanos realizados bajo el régimen militar, con el agregado de no haber sido realizada en el exilio. Esto le significó su prohibición por parte del Consejo de Calificación Cinematográfica en 1988, señalándose que el filme promovía “la vigencia de la teoría de clases”. Esto desencadenó una serie de protestas gremiales y el retiro de los tres periodistas que conformaban dicho consejo. La prohibición no impidió la circulación de copias masivas en vhs para su exhibición clandestina, además de un gran respaldo internacional, lo que redundó en la participación de numerosos festivales internacionales y la obtención de distintos galardones.

Aquel 5 de Octubre el país decidiría la opción NO, marcando el fin del régimen militar y el inicio de la transición democrática.

Así en 1990 asume la presidencia Patricio Aylwin. La vuelta de la democracia traerá consigo la recalificación de ambas películas, quedando “Cien Niños Esperando un Tren” para todo espectador e “Imagen Latente” para mayores de 21 años.

Ambas películas se encuentran disponibles en Video Clubs. Los invitamos a arrendarlas.